Sobre la devolución del primer manifiesto sobre el arte.

En primer lugar, creo que la primera definición de mi manifiesto personal apunta a una visión muy personal del asunto, y a este momento definirla sería quitarle sentido, como a la vida. Si hay algo que hubiera querido agregar en ese manifiesto, y continuando con la línea personal, es que el arte, para mi, es lo más lindo que hay en la vida. De todas formas creo haberme equivocado por generar un malentendido en lo que tomaba, al escribir el manifiesto, como “arte”. Yo me referí en todo momento a la expresión artística en general, por lo cual la música, el cine, la literatura, etcétera, estaban dentro de mi definición. Todo el arte está englobado por ese mismo sentimiento. El decir que el arte se transforma en un puente y una barrera entre el artista y el resto, es que ese sentimiento de lo que no se puede expresar, es algo que, justamente, no se puede expresar. Una obra puede remitir a cualquier cosa “real”, pero en última instancia, refiere a algo que no tiene forma, como tratar de definir la vida (y como el arte) que no se puede definir concretamente (aunque en diferentes grados). Por eso constituye una barrera, porque es una referencia, como la misma palabra “vida” a algo que no se puede definir; y es un puente, porque la obra artística siempre termina hablando del artista mismo, que comunica lo que siente sobre eso que nunca podrá definir del todo. De esta forma se constituye un elemento plástico (en el sentido de su plasticidad) que no puede ser completamente abarcado, por lo cual no tengo mucho que cambiar en mi definición. Es esto mismo lo que hace que, al mezclarse con otros ámbitos de la vida humana, lo teóricos se revienten los sesos tratando de explicar o definir en dónde está el arte y en dónde no. Esfuerzos sin más sentido que volver estático algo que, según creo, no lo es. Si hay algo que a mi tan corta edad aprendí de la era en la que me tocó vivir, es que estamos en la época de lo indefinido, de el constante juego de lo posible y lo imposible. Si alguien ve en el fútbol, o en un jugador en particular, lo “artístico” es porque, de acuerdo a su sentido de la realidad, está captando en eso la belleza sublime que otros ven en la pintura, o en la música, y así los etcéteras. Por si mismo, el arte está en todos lados, vive alrededor de las personas constantemente; la única diferencia es la claridad o la fuerza con la que se materializa en cada tiempo y lugar. Si esto no fuera así, no se hubieran podido crear formas tan disímiles de expresión. En cuanto a mi experiencia personal durante el cuatrimestre, creo que los trabajos que desarrollé fueron buenos para la carrera, porque como ejercicios comunicacionales fueron excelentes, pero no puedo decir nada sobre el valor artístico que tienen para mí. Me parece muy útil la idea de tener que desarrollar un concepto con una idea estética y fundamentarlo en la obra y en el texto. A partir de esto, me parece que la utilidad del conocimiento de la historia del arte y su sistema está dada por el crecimiento intelectual que genera. Convengamos, de todas formas, que por lo dicho hasta ahora no puedo hablar de la importancia que tiene todo esto para que ahora “conozcamos el arte”, pero si hay una importancia práctica innegable, exacerbada en el caso de alguien que se mueve en el ámbito de la comunicación, y es que da palabras a los encuentros sociales. Eso, quiérase o no, es importante. A su vez, hay algo que quita un poco de ruido a esta utilidad que le encuentro a la materia: aparte de que en lo personal no puedo olvidar que el objeto de la materia me interesaba mucho, y que logré en mayor o menor medida lo que quería, que era tener una orientación básica de la historia y el sistema, debo decir que en la exposición de la segunda parte del proyecto ciudad vi una notable mejoría en los trabajos de mis compañeros, lo que sin duda tiene relación con el desarrollo de la materia.

Mi propuesta principal está basada en el abstraccionismo. Pero antes de entrar en la explicación del concepto quiero aclarar que, tomando a esta corriente como expresión del "mundo interno" de un artista, creo que la ciudad, el otro eje del proyecto, es también la representación de un mundo interno, en este caso colectivo.
Hecha la aclaración, voy a explicar mi proyecto. En principio, antes de elegir el arte abstracto como guía de trabajo había pensado en trabajar con el expresionismo alemán, en un intento de plantear esta segunda etapa del proyecto ciudad como una instancia superadora, conceptualmente hablando, de la primera parte; mi idea era quebrar esas líneas rectas que había criticado con el primer trabajo. Por cuestiones que sólo dependieron de mi mismo, no lo hice, y en algún momento (en el que me volví a equivocar) me vi obligado a trabajar con el abstraccionismo. Es así que me empecé a plantear el problema de representar, con una cámara de fotos, una realidad sin referentes en lo "real". El concepto de arte abstracto con el cual me manejé a lo largo del proyecto fue éste. Pérdida de referencia a lo real en la creación de imágenes, que es lo que me pareció lo más radical de todo el asunto. De ésta forma configuré mi libre interpretación de la consigna, por la cual di forma al trabajo, que funciona de la siguiente manera: elegí principalmente obras arquitectónicas, que me parecieron (algunas) suficientemente reconocibles por alguien que vive en la ciudad de Córdoba, pero también algunos objetos y personas y les saqué dos fotos a cada una. Lo importante en la elección del objeto es que fuera cual fuese, se tratara de algo totalmente reconocible. Mi interés por lo arquitectónico me llevo a retratar principalmente objetos de este tipo. Así, la idea consiste en tomar un plano general de el objeto, y después pasar a el plano más corto que se pudiera hacer del mismo. Lo que sucede con estas últimas es que, en sí mismas, pierden toda esa referencia a lo real de la que hablé, para sólo dejarla en manos de la relación hecha por el montaje de una (el plano largo) sobre la otra.
De esta forma, mi intención es desarrollar la idea que sigue. Tomando como referencia este plano detalle no del todo aleatorio, pero si generado principalmente a partir de un criterio estético y de perder, justamente, la referencia a la realidad "concreta", se puede decir de alguna forma que esa primera imagen, si se me permite, "superreferencial", está formada por el conjunto de éstas otras. Siguiendo esta idea, la construcción de la imagen real se hace, paradójicamente, a partir de un proceso de abstracción, por el cual cada uno junta esos (pequeños) sinsentidos y les otorga un sentido y un orden preestablecidos. Si la realidad es convencional, cabe preguntarse entonces que sería de esta si uno no pudiera, o simplemente no lo hiciera, establecer estas relaciones, y sólo se concentrase en detalles mínimos.

Proyecto Ciudad

Para este trabajo me decidí a trabajar con un concepto arquitectónico de extremada importancia que no es tomado en cuenta por la mayoría de la gente que se ve directamente afectada, y esto es decir prácticamente todos; si el término es poco preciso, la mayoría de las personas que viven en la ciudad de Córdoba, espacio en el cual fue inspirado y realizado mi trabajo. No creo haber logrado el objetivo comunicacional inherente a la naturaleza de esta propuesta de trabajo. De todas formas, el problema de la línea recta nos aqueja todos los días que, sin darnos cuenta, recorremos una ciudad en la que nos metemos en un cuadrado, y después pasamos a otro cuadrado, y después a otro cuadrado en lo que parece, como si pudiera ser observado desde afuera, un desvarío mental colectivo sin fin. Yo no estoy en contra de las líneas rectas por definición, yo estoy en contra de una y otra línea recta formando todo el espacio que tenemos alrededor constantemente. El contraste entre el espacio creado por nosotros civilización humana y el espacio natural, o incluso el mismo espacio físico que forma el hombre, salta a la vista con sólo darle un pensamiento. La línea recta nos ataca, de esta forma, directamente, atentando contra nuestra condición irregular y contra nuestra mente, constantemente oprimida por un exceso de estabilidad de las formas. Es así que se conformó mi línea de trabajo, pero antes de pasar a lo concreto, una cuestión más me queda por aclarar. Como el conflicto no es sólo de carácter formal, sino que tiene claras dimensiones socio-políticas, es importante destacar que de hecho sus orígenes tienen este carácter. La arquitectura de nuestra época, cuyo nombre sinceramente no se, y creo que nadie sabe, está claramente subordinada al invento más hermoso del capitalismo, paradigma de esta época sin nombre: la rentabilidad. Más allá de todos los aspectos técnicos, físicos, etcétera, de los cuales debo decir que no estoy al tanto, es claro que es este factor la base de toda esta racionalidad extrema. Es por esto que confío en la sincera preocupación de todos los lectores para animarlos a convertir a la línea curva e irregular, inestable y creativa, en un negocio, en un valor económico como los que mueven nuestro mundo para bien y para mal; y si alguna vez se sienten perdidos en este camino, sólo fíjense que forma tiene el más bello estandarte de nuestra cultura occidental: $.
Ahora sí, con respecto al trabajo en particular, la pauta de trabajar en base al Impresionismo complicaba mi plan conceptual, ya que la línea recta no es para nada un denominador común de las obras producidas. De todas formas seguí adelante y mi búsqueda se dirigió a retratar el contraste entre este tipo de líneas y la figura humana. Por esto es que elegí utilizar muñecos, Barbies y Max Steel, como modelos de referencia. Sin duda conforman la imagen de una figura humana ideal, que además, por ser plásticos y faltos de vida tenían una estaticidad que me gustaba. A partir de eso trabajé con colores bien saturados en la captura, lo que conceptualmente fue un error grave porque casi ninguna de mis fotos tiene una paleta parecida a un cuadro impresionista. También, como elemento estético, decidí trabajar con un desenfoque que se acercara a la imagen difusa del impresionismo, pero aquí también erré. En primer lugar era una especie de contrasentido, porque si quería retratar la línea recta, esto no ayudaba. Esto hizo que me quedara a mitad de camino en esta búsqueda del contraste en una serie de fotos que por momentos parecen solamente mal sacadas, nada más que errores, pruebas. Aparte del contraste de líneas, busqué en muchos casos contrastar la irregularidad de la que tanto hablé con cierta serialidad que podemos encontrar en las formas rectas.
En fin, un buen ensayo, muy positivo como práctica, flojo como proyecto artístico y comunicacional.
Igual me divertí mucho sacando esas fotos.

Menos Tiempo que Lugar.

Con esta extraña cita de Benedetti se introduce la muestra organizada por el Goethe Institut y el Ministerio de Relaciones Exteriores de Alemania en conmemoración de los bicentenarios de América Latina, que se está exhibiendo en el Museo Caraffa hasta el 30 de abril.
La idea de abordar una cuestión política desde una mirada cultural y a la vez actual es lo que ha dado vida a esta muestra, curada por Alfons Hug. Se trata de una versión reducida de la muestra que se realizará en la Bienal de Venecia, que en su versión local cuenta con la participación de Narda Alvarado, Claudia Aravena Abughosh, Leticia El Halli Obeid, Christine de la Garenne, Fernando Gutierrez, Bjorn Melhus y Martin Sastre.
La muestra ocupa toda una sala del museo, por lo cual cinco de las siete obras se pueden dar el lujo de ser proyectadas directamente sobre la pared para ocupar muy grandes dimensiones, lo que sin dudas es un punto a favor por la imponencia que logran, sobre todo algunas como las imágenes marinas de Claudia Aravena Abugosh. Por otro lado, la exposición tiene un problema fundamental: el sonido que incorporan varias de las obras se cruza entre si, por lo cual no es posible apreciar en toda su dimensión a las obras como fueron gestadas; de hecho, el sonido de la obra del uruguayo Martín Sastre, "Tango with Obama", "pisa" un poco algunas de las otras obras, por el carácter de su música.
Creo que ésta es una de las obras que más impacto causa, y así lo demuestra su ubicación en la sala, ya que ocupa una pared por sí sola. Muestra a un falso Barack Obama bailando tango con otro hombre, el mismo Martín Sastre (que demuestra un curioso parecido a Jason Schwartzman), en frente del Museo Reina Sofía, en Madrid. El contrapunto con la música, el hecho de ver a dos hombres bailando, y la coreografía, que no es un baile "clásico" de tango, hacen de esta una obra en principio cómica, que denota un marcado contenido político con el correr de los minutos. El hecho de que a lo largo de todo el registro del baile se insertan placas con citas a diferentes hechos de resonancia política o económica a nivel mundial, sumado a la posición "dominante" del doble de la figura presidencial del norte, son suficientes para destacar este punto.
Por otro lado se encontraba junto a esta, la obra del alemán Bjørn Melhus "Hecho en México" que por su ubicación y su música era la más perjudicada en el nivel auditivo por la obra anteriormente reseñada. En vez de utilizar música que tuviera tanta preponderancia en la obra, podemos ver aquí como este aspecto pasa a un segundo plano para comenzar con una serie de tomas de la ciudad de México que muestran un excelente trabajo a nivel fotográfico. Como continuación de esta introducción, podemos verlo a el mismo protagonizando una especie de sheriff a caballo, con una estética que recuerda a los grupos paramilitares que operan, como él en ésta obra, en las selvas de América Latina.
Se trata, en fin, de una muestra que, en sus ventajas y desventajas permanece muy interesante para visitar por la originalidad de su propuesta.

Escuela Superior de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta

¿En qué situación se encuentra alguien que quiere estudiar arte en Córdoba? Ante la proliferación de ciertos espacios de difusión que han abierto en el último tiempo en nuestra ciudad, me pareció útil indagar en cuáles son las oportunidades que hay para quienes, en cualquier caso, son quienes van a "llenar" esos espacios, por lo menos a nivel local.
De esta forma, cualquiera que se aboque a la tarea se encontrará con que existen dos opciones de educación de nivel superior. Si bien es cierto que por alguna cuestión de prestigio institucional, la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Córdoba se posiciona como la primera opción, existe una alternativa que suma una opción distinta: la Escuela Superior de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta. Esta última pertenece a la llamada "Ciudad de las Artes", proyecto inaugurado en el año 2005, pero funciona desde el año 1896, y ofrece la carreras de Profesorado de Arte en Artes VIsuales y Tecnicatura en Artes VIsuales. Ambas carreras son de nivel terciario y no universitario como los que ofrece la UNC y están orientadas, la primera a la enseñanza artística y la segunda a la profesión propiamente dicha.
Al preguntarle a una alumna recién recibida del profesorado que brinda la escuela, sobre qué fue lo que la llevó a elegir esa institución y no la UNC, manifestó que la principal diferencia que había visto entre ambos programas es que todas las materias de formación artística están a su vez orientadas a su enseñanza. De esta forma, la materia "dibujo" por poner un ejemplo, no es dada solamente como técnica sino que también se enseña a enseñar dibujo. De todas formas la teoría no siempre se aplica a la práctica. Su testimonio también indica que la integración entre la técnica y la pedagogía no satisfizo sus expectativas, lo que le hizo perder, en relación a los alumnos de la tecnicatura horas desarrollando, justamente, diferentes técnicas. En cuanto a este tema manifestó que el principal problema está dado porque los docentes que dan las materias pedagógicas no están formados en arte, lo que dificulta la integración. A esto se suma un último problema: la ex alumna, que pidió que su nombre no apareciera en la entrevista, dijo que "En todos los años en los que cursé, hubo al menos una materia incluida en la currícula que no fue dada, principalmente por licencias tomadas por los profesores que no fueron suplantadas por otros."
Por otro lado, tuve el agrado de contactarme con Rosa Gonzalez, profesora de grabado en primer año, y morfología y composición plástica en primer y segundo año de las dos carreras, que hace veinte años que ejerce el cargo. Al preguntarle que es lo que ella cree que distingue a la Figueroa Alcorta es "La relación directa y personalizada con mis alumnos, los grupos no son numerosos, esto brinda la posibilidad de conocer los intereses de cada uno y estar atento a sus necesidades." También se refirió a la heterogeneidad de los grupos: "ya sea en cuanto a las edades, intereses y objetivos de cada uno, creo que esto nos enriquece a todos, en la convivencia del aula." Por último dejó claro cual es su punto de vista en cuanto al enfoque pedagógico que utiliza la escuela en relación a la enseñanza que brinda el establecimiento a sus alumnos. Rosa expresó que su mayor interes esta en que "los alumnos hagan o sea, pinten, dibujen, tallen la madera, tengan contacto con los materiales, se expresen, los clase son 99% prácticas, el trabajo diario, la experiencia.... es, a mi modo de ver, la única forma de aprender."

Es asi que en el medio de estos diferentes puntos de vista que reflejan las miradas de dos actores a la vez diferentes y complementarios en el funcionamiento de esta escuela, se suma la encrucijada política en la que se encuentra la institución. Como todos saben, el proyecto de la Ciudad de las Artes inaugurado en el año 2005 por el ex gobernador José Manuel De la Sota, ha sido objeto de polémica. En el año 2007, por ejemplo, se intentó desde la cúpula de la dirección artística de la provincia y las autoridades de las escuelas del citado organismo obtener el reconocimiento universitario de la coneau para los títulos expedidos por la institución, a través de un proyecto que fue en parte truncado por actores del resto de la comunidad educativa que no se sentían representados. Por otro lado, fue de público conocimiento la toma llevada a cabo por los estudiantes durante octubre del año pasado, en el marco del conflicto del que fue protagonista todo el sistema educativo provincial, y cuyas marcas son visibles hasta hoy en el mismo edificio donde funciona la escuela. (Ver fotos)
Se trata, en fin, de una institución con un gran valor para nuestra provincia. El hecho de que plantee una alternativa a la Universidad Nacional de Córdoba en lo que al estudio de las artes plásticas se refiere, y que sea de índole provincial, le da un plus a su ya importante valor histórico. Sus contras no dejan de enmarcarse en el circulo vicioso en el que se convierte el sistema educativo artístico por el cual solo dos escuelas de arte en la provincia son oferta suficiente para un público joven que en últimas tampoco se siente muy atraído hacia el tipo de instituciones que se encarga de la enseñanza "oficial" del arte.

Sobre el arte.

Siempre pensé que el hecho que que el arte sea casi tan difícil de definir como la vida misma es lo que lo hace tan importante en la vida misma de las personas. Todo lo que yo pueda decir sobre este tema en un texto puede ser inapropiado y hasta ingenuo, pero nadie puede negar que ha habido tantos eruditos e inexpertos discutiendo y peleando por definir el arte como filosófos y borrachos discutiendo sobre qué es la vida. La gente, lamentablemente, ha batallado por poner sus etiquetas preferidas a las cosas que juzgaron más importantes, y sin dudas que el arte es una de ellas. Por lo tanto, quiero dejar claro que, en cualquier caso, creo que si de algo vale que alguien escriba sobre un tema como éste, es más para hablar y definirse a sí mismo que al tema. También quiero dejar claro que lo más importante que puedo considerar es que el arte, en primer lugar, es.
De esta forma, y comenzando por el principio, creo que la génesis del arte está en la necesidad de expresión. El proceso artístico surge a partir de la necesidad de decir algo por parte de alguien. Esto quiere decir que, con más o menos consciencia, siempre hay algo dentro de alguien que necesita ser sacado a la luz. Si no se puede mostrar, se pinta; si no se puede escribir, se escribe más lindo; en fin, si no se puede decir, se canta, se filma, etcétera. En cualquier caso, significa; toda "obra de arte" está en lugar de algo. Es por esto que lo considero tanto un puente como una barrera entre el artista, el público, en fin, las humanidad en general y todo aquello que es, y que no puede ser explicado de otra manera.

Guido Lois